ESCULTURA DE SÍ

“La escultura de sí” es una obra de ética y estética escrita por Michel Onfray tras los pasos de Nietzsche. Hay que tomar esta circunstancia, “tras los pasos”, de forma literal. Onfray viajó por Italia, estuvo en Venecia, costa de Liguria, luego en Suiza, en Sils Maria en la Engandina. Visitó casas, pueblos, montañas, lagos, bosques, rocas, lugares de inspiración del filósofo. La coda del libro titulada “Cita bergamasca” describe las impresiones de ese viaje.

 

Rescato unas palabras sobre tauromaquia, inesperadas en su pluma.  El torero figura estética y ética.

“El torero ha de saber esperar la embestida con paciencia y determinación. Cuando viene. No debe ceder a su impetuosidad. Finalmente, ante la energía, debe mostrar su virtuosismo conduciendo al animal a donde debe ir: “aguantar, parar y mandar”. Es necesario el equilibrio entre estas tres lógicas para permitir a continuación los gestos que, del adorno al castigo, provocarán la emoción. En todas las fases de la danza con la muerte, el matador se convertirá en demiurgo, engendrador de agudezas y densidades estéticas. Como en el trabajo del domador, hay que someter una energía rebelde a las reglas del arte. El hombre ético se encuentra en esa misma situación: reducir los flujos a formas elegantes. Hacer un mundo a partir del caos.”

 

Voy a seleccionar la parte dedicada a los artistas contemporáneos, puesto que me resulta difícil relacionarlos con la “humana escultura de sí” y es la parte que más me ha sorprendido. Pero hay un canto a la amistad, unas páginas espléndidas dedicadas a la cortesía, a la necesidad de unas relaciones humanas de “lejanía cercanía” que merecerían comentario aparte.

Yavé, Pigmalion, los ángeles gnósticos y los anónimos de la historia y la prehistoria africana representan a los artistas tradicionales. Todos ellos han esculpido, entre mito y realidad, expresando el misterio o capturando la vida, fijando el dinamismo.

La Fuente de Duchamp

Desde DUCHAMP se trata de abrir las ventanas, de cambiar de aires y de abandonar los viejos hábitos. No hay moral contemporánea que no tome en consideración el trabajo de este ingeniero del tiempo perdido, como le gustaba llamarse. No hay ética estética si se silencia a los herederos de Dadá.

Contra el nihilismo la reflexión sobre el arte es importante rica y prometedora. Tendríamos que acudir a Tinguely, Nono, Pollock, Scelsi, Dubuffet y Cage. O bien puesto que están trabajando todavía a Kounellis, Long o Metz que pertenecen a lo que después de BEUYS podemos llamar ensanchamiento del arte.

Beuys, escultor hasta en sus acciones, performances. Revolucionó el estatuto de la actividad liberándola de marcos, fue un ejemplo de la tradición de la práctica escultórica, informar la materia y obligarla a parir formas. De el uso que hace de la cera o de la grasa, BEUYS aviador de la Luftwaffe, abatido en el frente ruso, debe su salvación a las mantas en que es envuelto y a la grasa con la que cubrió sus heridas. ¿Por qué ennoblece la grasa? Representa la riqueza, el exceso, la abundancia, material emblemático del embarazo y del nacimiento. Sustancia mágica: a la grasa de los ahorcados se le atribuyen poderes curativos. Material plástico por excelencia, toma fácil las formas, se esculpe con un hilo, con un dedo, se informa a sí misma con las variaciones de temperatura, se funde, se solidifica según las variaciones climáticas.

la grasa de Beuys

Ya no son las canteras las que dan el material, sino el cuerpo humano, las cavernas más oscuras, lo más recóndito de las entrañas. Igualmente habría que hablar del fieltro, el pelo, la “merda” de Manzoni, los cráneos de Tinguely. El polen de Wolfgang Leb, las moscas de Fabrice Hybert.

Wolfgang Lab trabajando con polen

Los aduaneros americanos negaron derecho de entrada a "Oiseau dans l’espace" de Brancusi, no era figurativa. Brancusi no la había hecho para mostrar un pájaro en vuelo sino para mostrar la figura que suscita en el alama del artista el recuerdo de un pájaro en vuelo. Desde Boccioni, Balla y Sevirini, Muybridge, el movimiento no se representa de manera estática. Esculpir un pájaro en el espacio no implica ensayar la imagen figurativa del animal sino ir hacia la quintaesencia de una dinámica, depurada y expresada con la economía más absoluta para que sólo quede lo esencial.

Oiseau dans l'espace de Brancusi

Brancusi puso un pleito y tuvo que esperar 3 años para que un tribunal fallara que Oiseau dans l’espace no tenía fines utilitarios sino que era una obra de arte.

De Praxíteles a Carpeaux las cosas no cambiaron mucho: el arte representaba figurativamente la realidad.

Llegó Gaugin con sus nuevas formas tomadas del arte de Oceanía. Luego las maderas talladas de los expresionistas alemanes, Picasso con sus collages de elementos naturales. La escultura clásica se hizo imposible, zozobra en lo vulgar mientras van saliendo las nuevas potencialidades. El antiguo orden se pulveriza, las sustancias nobles son sustituidas por otras a menudo provocadoras, se trabaja con materiales simples,  sucios, vulgares, neutros, con objetos deformados, reciclados, rotos, quemados…Es más cansado e inquietante y existe el riesgo de perderse, todo está permitido. No importa si se infiltran dos o tres falsarios, más vale este desorden que los circuitos balizados

Durante mucho tiempo el arte ha estado al servicio de las grandes mitologías que reinaban efectivamente. Llegó la hora de un arte sin museo, dinámico , voluntario, proclive a las extravagancias y desbarajustes.

La versión idealista del arte contemporáneo es como una reactualización de la teología negativa, esconder para mostrar mejor, callar para decir mejor. Cuando se busca un sentido no lo hay. La obra es laberinto necesita discurso, hace opaco el mensaje y se interpone entre la idea  y el espectador. Las obras de BUREN o Carl ANDRÉ sólo tienen sentido por los discursos que las preceden. Lo sensible, como en Platón, sólo tiene sentido cuando se sabe que participa de lo inteligible. No hay materia sin una idea que la justifique

Obra de Daniel Buren, artista conceptual

Pero no hay idea pura, siempre hace falta un apoyo incluso reducido al mínimo para acceder a los conceptos. Estos se evaporan si no tienen materia que los induzca. Y a pesar de la mayoría de los artistas que no quieren que se hable de belleza delante de sus creaciones, hay obras que no dejan de producir efectos en la retina y efectos hedonistas. Daniel BUREN planteó esta paradoja.

Minimalismo de Carl André

Luego hay un arte menos fascinado por el nihilismo y la escasez, atiende a la parte maldita, a las sombras y excesos. La energía le acompaña, pretende más la expansión que el agotamiento. Su movimiento es centrípeto. El arte minimalista practica la espiral que dirige al centro. El body art lleva el trayecto contrario, busca la salida. El primero quiere la extinción, pero deja huella, el segundo deja huella pero ésta no dura.

Bodyart

El arte, el espacio estético son lugares para experiencias que no son pura ni simplemente reproductibles en lo real, pero que pueden alimentarse de las incidencias que éste habría podido producir. Lo real al completo se considera un material del que hay que extraer las formas. El instrumento de esta operación es el querer del artista.

Naumaquia

Los ancestros de estas situaciones construidas están lejos: naumaquias practicadas en el Coliseo, las escenas en el desierto, las selvas simuladas. O las fiestas romanas con sus desconsiderados despilfarros. Los espectáculos en el Gran Circo Romano, cuando desfilaban 10.000 animales destinados a combates donde morirían la mitad.En el Renacimiento Bernini resucitó las naumaquias.

Grimod de la Reynière cursó la invitación al banquete de su funeral y no reveló la surpechería hasta que acabó la cena. Las acciones subversivas de los surrealistas.

La situación construida le interesa más cuando es producto de un ser singular. Johanes Baader anunciando la buena nueva de la salvación a través del dadaísmo en la catedral de Berlín. Noviembre de 1918. Justo después del armisticio.

Marcel Duchamp en 1919 que se hizo rapar el cuero cabelludo y le quedó una tonsura en forma de estrella fugaz.

Los situacionistas después de la posguerra formularon el principio de construcción de situaciones. Dieron forma en la vida cotidiana a la confusión ética y estética. Había que promover lo efímero, lo único, la obra gratuita, el puro gasto. El gesto, la situación, e momento construido establecen una relación particular con el tiempo.

Los situacionistas tenían otra visión del tiempo y del espacio, de la arquitectura y del urbanismo. Es la lógica querida por DEBORD y compañeros, el kairós, hacer en el momento oportuno.

Contra la división de tareas, maestro que sabe y muestra y esclavo que ignora y observa la subversión consistió en darle al espectador un papel creador.

 

Los situacionistas querían disminuir el número de espectadores, hasta extinguirlo y aumentar la cantidad de vividores, los practicantes. Son escultores de oportunidades, modeladores de las formas que toman las relaciones entre individualidades.

Allan KRAPROW propicia el encuentro entre ciertas prácticas singulares y la palabra que las designa: happening. Pretende mezclar arte, vida cotidiana, mundo de todos los días y uno mismo. Los límites entre vida y arte se vuelven imprecisos. Cada uno es ascendido a artista, por ser experimentador.

En el Black Mountain Collage crea un taller de experimentación del arte de la persona viva. Confianza en el instante, la invención, el instinto, el deseo, rechazo de las predeterminaciones. Primacía del capricho, de la fantasía.

Performance de Kraprow

Evolucionará hacia una radicalización. Después de JOHN CAGE y las extravagancias de FLUXUS se hablará de event para caracterizar las acciones breves, queridas como distintas pero integradas en la vida cotidiana más elemental. . Cada momento de una existencia banal se carga de densidad artística: beber agua, cerrar una puerta…las instantáneas expresan la naturaleza idiota, sin doble, de lo real. El arte fuera del museo es más auténtico en la calle.

Quatour Helios interpretando "works for precussion" de John Cage

Los artistas del accionismo vienés y los del body art son los padres de estas prácticas teatrales. Son como una reactualización del gesto cínico antiguo; aquellas acciones no vergonzosas por naturales que dicen Diógenes realizaba en la plaza para escándalo de todo ciudadano decente. Onfray los considera remedios contra el nihilismo de nuestra época y su apoltronamiento en el cinismo vulgar.

Fluxus

Un teatro de la crueldad que permita el despertar de nervios y corazones. La acción llevada al extremo, es lo que definía la crueldad para ARTAUD. Mordedura concreta, convulsiones que sacudan e informe el entendimiento, al querer involucrar carne y nervios, Artaud pretende eliminar el sometimiento de la inteligencia al lenguaje. Hay que liberar sueños, obsesiones, dejar vía libre a las quimeras, querer la utopía y someter la vida a ese ideal de un lugar otro entre la imaginación y los acontecimientos. Torbellino revelador de un cuerpo que puede convertirse en signo.  Son las líneas de actuación de los situacionistas vieneses. Y después los artistas implicarán sus cuerpos en performances que inquietan, desestabilizan, implican.

Toda esta estética tiene un sentido ético, cada situación construida es productora de un estilo que a su vez da consistencia. El edficio de la propia figura se construye en el tiempo. Baudelaire habla de un espejo en el que vemos la imagen del efecto producido para corregir imperfecciones, fracasos. La parte significa el conjunto, el Condotiero, figura moral en la que se inspira todo el libro, dota a CADA INSTANTE DE DENSIDAD. Todo tiene sentido nada es inocente.

Deformamos y abusamos del lenguaje, usamos las palabras para enmascarar la acción, nuestras palabras dicen lo contrario de lo que hacemos. Las palabras dicen una cosa y los actos lo contrario.

Panofsky ha demostrado cuántos elementos aparentemente dispersos podrían significar lo mismo, la catedral y su arquitectura remiten al pensamiento escolástico y a la construcción de sumas teológicas. Una trama de hilos entreverados asocia a figuras que surgen en ámbitos inconexos. Hay una relación entre la experiencia estética de los años 1960-70  y la posibilidad de una nueva ética poscristiana.

Acciones, happenings, events, performances.  La ascesis personal es necesaria para fabricarse una identidad: los cínicos quieren la vía corta pero escarpada, Los estoicos la vía larga, menos ruda. Padecer frío, calor extremo, vivir a la intemperie, soportar la privación de comida y bebida.

Los artistas del body art y los situacionistas han ilustrado el objetivo cínico antiguo al intimar al cuerpo a que expresara el sentido del sufrimiento, la herida, la cicatriz: ingestión de carne descompuesta, leche derramada por el suelo y lamida, equilibrio sobre el alféizar de una ventana a varios metros de altura como Gina PANE,

Michel Journiac, fabrica y distirbuye morcilla hecha con su sangre

 fabricación de la morcilla humana, interpretación de la relación incestuosa en el caso de Michel JOURNAC, sacrificios de animales, teatralización pagana de prácticas orgiásticas en el caso de HERMANN NITSCH, exhibicionismo sexual, defecaciones públicas y ondinismo de Gunther BRUSS, escenografías de la crueldad, evisceraciones catárticas en Rudolf Schwarzkogler.

Arte con el cuerpo de Gina PANE

Todos estos artistas transfiguran la ética artística al modificar el soporte estético.  Proponen una vuelta a la inmanencia y consideran carne y cuerpo como materia por excelencia. La escultura de sí tiene sentido. Estos artistas quieren inscribir la voluntad en el organismo, plegar el cuerpo según la línea de un querer experimental. Las situaciones estéticas deben entenderse como ensayos de prácticas inaugurales que persiguen el ensayo de nuevas maneras de percibir el cuerpo.

Gunther BRUSS

Catarsis, sublimación , juego, provocación, tragedia se interpretan como variaciones sobre el tema kynico en la época contemporánea. Pueden leerse como momentos negativos de una dialéctica cuya síntesis propondría lo solar allí donde reinan las tinieblas.

Rudolf Schwarzkogler

Los artistas hacen posible la emergencia de sí como entidad de susceptible de información estética y por tanto ética. Señalan una modernidad que definiría el desbordamiento del arte en la vida: con ellos se dicen las vidas estéticas y la estatización de la vida, la existencia artística y el arte de la existencia. Su práctica es una Aufhebung de la definición clásica de escultura: producir formas, estructurar un caos, expresar una fuerza en acto.

Accionismo vienés

¿Qué debemos a los artistas del cuerpo transfigurado? El gesto que esculpe el cuerpo, la voluntad que produce situaciones, las actitudes que se convierten en formas, la acción transformadora en espectáculo, la vida contenida en figura, la virtuosidad expresada en instantes quintaesenciados, el kairós captado en su densidad. Algo que, cuando se pretende esculpir el propio yo, habla de la necesidad de poner en marcha una mayéutica dirigida a la producción de la obra, la emergencia de un estilo, una arquitectura de sí.